John William Coltrane

23. September 1926 – 17. Juli 1967

Von Spencer Rubin

Coltranes Vermächtnis ist das einer Sternschnuppe, die heller als alle anderen am Himmel leuchtete, allerdings nur für einen Bruchteil der Zeit. Bevor er 40 wurde, war er auf über 100 Alben zu hören und komponierte diese, auf denen er mühelos Genres, kulturelle Einflüsse und Stile vermischte [ 1 ]. Seine am meisten gefeierten und verehrten Alben „ Blue Train“ , „Giant Steps“ , „My Favourite Things “ und „A Love Supreme “ wurden innerhalb von zehn Jahren veröffentlicht und brachten ihm eine lange Liste von Zertifizierungen auf der ganzen Welt ein, während er sich schnell als Musiker entwickelte Komponist [ 2 ][ 3 ][ 4 ]. Sein kometenhafter Aufstieg zum Jazz-Hit und sein innovatives Spiel machten ihn in den 1960er-Jahren zum Vorreiter, und seine Fähigkeit, seine Botschaft durch sein Horn zu verkünden, machte ihn zu einer heiligen Figur unter Superfans. Coltrane sprach oft davon, auf der Bühne seinen physischen Körper zu verlassen und sein astrales Wesen, seinen Geist und seine Seele auf die Menge zu projizieren.

Musik umgab John William Coltrane als Kind. Er wurde im September 1926 geboren und wuchs in Hamlet und High Point, North Carolina, auf, wo sein Großvater, Reverend William Wilson Blair, ein bekannter Evangeliumsprediger und sein Vater, John Robert Coltrane, Prediger war [ 5 ] [ 6 ]. Wenn John R. Coltrane nicht in der Kirche war, saß er im Wohnzimmer und wechselte geschickt zwischen den Instrumenten, um seinen kleinen Sohn zu unterhalten. John W. blickte zu diesen Männern und den Bluesspielern auf, die er im Radio hörte, wie Count Basie und Lester Young [ 7 ]. Coltranes Musik wurde stark von den gefühlvollen Klängen und traurigen Texten des Blues beeinflusst, von denen in seinen dunklen, Gospel-ähnlichen Tönen Andeutungen lauern.

„Meine Musik ist der spirituelle Ausdruck dessen, was ich bin – mein Glaube, mein Wissen, mein Wesen.“ – John Coltrane

Coltranes Leben wurde abrupt aus den Fugen geraten, als er 12 Jahre alt war. Sein Vater und sein Großvater starben plötzlich, und innerhalb weniger Monate starben auch seine Großmutter und eine Tante. Dies löste für seine Mutter Alice eine Zeit schwerer finanzieller Not aus. Die beiden zogen zu Verwandten in New Jersey und der junge Musiker konzentrierte seine Trauer darauf, das Klarinettenspiel zu beherrschen.

Als er die High School abschloss und 1943 nach Philadelphia zog, hatte er eines im Sinn: eine Karriere als Musiker. Bebop-Musiker wie Charlie Parker und Dizzy Gillespie erreichten Spitzenplätze in den Charts und Coltrane wollte lernen, mit ihnen zu spielen. Er studierte Johnny Hodges, der Duke Ellington unterstützte, und Dexter Gordon, der die Bebop-Bewegung anführte. Doch nach ein paar Semestern Saxophonstudium an der Ornstein School of Music wurde Coltrane zur Marine eingezogen und nach Hawaii verschifft.

Am Ende des Krieges bemerkten Musikerkollegen in Pearl Harbor schnell Coltranes Hingabe an sein Handwerk und erkannten sein überlegenes Spiel. Er wurde gebeten, das erste schwarze Mitglied der Navy-Band zu sein und moderne Musik herauszufordern, bevor er sein erstes Stück aufnahm – 1946 mit einem Quartett von Mitseglern auf Oahu [ 8 ][ 9 ]. Coltrane kehrte mit Lebens- und Branchenerfahrung nach Philadelphia zurück und berief sich auf den GI-Gesetzentwurf, um sich an der Granoff School of Music anzumelden und dort seinen Abschluss zu machen.

Coltrane hüpfte von Gruppe zu Gruppe und blies für jeden, der ihn anheuern wollte. Er arbeitete mit Eddie „Cleanhead“ Vinson, Jimmy Heath und Dizzy Gillespie, wechselte mühelos zwischen Genres und Bands und erwarb sich den Ruf eines besonders talentierten Musikers mit einem tiefen Verständnis für Musik. Von 1946 bis 1955 war er in Philly ein gefragtes Publikum, als er lernte, mit den Großen zu improvisieren und vom Blues zur Big Band, vom Alt- zum Tenorsaxophon wechselte.

In den frühen 50er Jahren, als Coltrane mit Jimmy Smith und Miles Davis spielte, geriet er in eine Heroinsucht, eine Krücke, die dazu führte, dass viele Bandleader – über sechs Jahre alt – wie Duke Ellington und Davis den jungen Star feuerten. Obwohl er aufgrund seiner Abhängigkeit ein unzuverlässiger Angestellter war, zauberte er, wenn er im Studio war.

Und Davis war von Coltranes „Stimme im Tenor“ begeistert, die es ihm ermöglichte, seinen Klang und Stil zu erkunden. Coltrane bezeichnete seinen Kollegen als „Lehrer“, und gemeinsam diskutierten und praktizierten sie wie besessen theoretische Musikkonzepte. Sie produzierten eine Vielzahl gefeierter Alben, darunter The New Miles Davis Quintet (1956), „Round about Midnight“ (1957) und Kind of Blue (1959).

Im Jahr 1957 traf Davis inmitten einer Überdosis Coltrane. Bandkollege und Drogenkumpel, Schlagzeuger Philly Jones, half Coltrane durch die Nacht, und Davis sah sich gezwungen, beide zu entlassen. Coltrane war am Boden zerstört. Er musste Änderungen vornehmen, sonst wäre er nie in der Lage, seine Botschaft zu verbreiten. Er buchte eine Heimreise nach Jersey, wo er sich in einem Schlafzimmer einschloss, um den kalten Entzug auszutrocknen. Es war eine unglaublich harte Zeit für den Musiker, und er verdankte diese Tage später als Inspiration für seine berühmtesten Stücke. Er verließ das Zuhause seiner Familie erfrischt und begierig darauf, wieder in die Jazzszene von Philly und ins Studio einzusteigen.

Während Coltranes Pause von Davis' Band übte er fast ununterbrochen. Er begann, die Grundlage seines charakteristischen Stils zu entwickeln, indem er pentatonische Tonleitern umeinander wickelte, Skalarmuster dekonstruierte und Harmonische überlagerte, um seine unverwechselbaren „Klangblätter“ zu schaffen.

Im selben Jahr lernte Coltrane den legendären Pianisten Thelonious Monk kennen. Coltrane und Monk verbrachten den Sommer 1957 damit, Thelonious Monk mit John Coltrane (1961) aufzunehmen, wobei Monk Coltrane direkt durch einzigartige melodische und rhythmische Veränderungen und Pausen führte.

1957 wurde Coltrane von Prestige unter Vertrag genommen und begann, seine eigene Band ( Coltrane ) zu leiten und seine eigene Musik zu komponieren ( Blue Train ). Gleichzeitig experimentierte Miles Davis mit einem neuen Stil des „modalen Jazz“, in den Coltranes neues Format perfekt passte. Nach einer neunmonatigen Pause begannen sie wieder zusammen zu spielen, experimentierten und wuchsen und nahmen schließlich Davis‘ erfolgreichstes Album Kind of Blue auf .

Coltrane veröffentlichte weiterhin Alben: Blue Train (1957), Soultrane (1958) und das revolutionäre Giant Steps (1960). Am Ende seiner vier Jahre bei Davis hatte sich Coltrane von einem Stammgast in Phillys Bars und Clubs zu einem international bekannten Musiker entwickelt, dessen Ruhm durch Giant Steps gefestigt wurde .

Giant Steps war das erste von Coltranes Alben, das die „Post-Bop“-Bewegung prägte. Es war Coltranes Debüt bei Atlantic Records, bei dem er Davis' Gruppe und Prestige hinter sich ließ und sein eigenes Quartett gründete. Er hat das gesamte Album komponiert. Giant Steps spiegelt einen Wandel vom strukturierten Bebop zu einem neuen, avantgardistischen „Free Jazz“ wider, inspiriert von Ornette Coleman, die Coltrane für Unterricht engagierte. Die Songs auf Giant Steps , wie „Naima“, „Cousin Mary“ und „Giant Steps“, verzichten auf traditionelle Akkordwechsel und werden stattdessen von melodischen, leidenschaftlichen Looping-Ausbrüchen und gewundenem Saxofon begleitet, unterstützt von treibendem Bass und klopfenden Trommeln.

Für „My Favourite Things“ (1961) nahm Coltrane eine Neuausrichtung vor und brachte neue Musiker und Ideen für sein letztes Werk mit Atlantic ein. Der Titeltrack des Albums ist eine neu interpretierte Version des gleichnamigen Liedes aus dem Film The Sound of Music (1965). McCoy Tyner am Klavier arbeitet im Einklang mit Coltrane und begibt sich auf eine tiefgreifende Erkundung des bekannten Walzers. Die Band spielt abwechselnd verschiedene Variationen des Liedes und lockt die Zuhörer mit jedem Takt, jede Note fordert die bekannte Melodie heraus. Coltrane lernte für das Album Sopransaxophon und die Single „Favorite Things“ schaffte es an die Spitze der Charts, was es zu seinem kommerziell erfolgreichsten Album machte und John Coltrane zu einem bekannten Namen machte.

Coltrane engagierte die Musiker von Favorite Things und unterschrieb bei Impulse Records und komponierte mehrere weitere Alben. Seine charakteristischen grüblerischen Noten und Klangbögen, seine meisterhafte Improvisation und seine Fähigkeiten als Dirigent brachten das Spiel des Quartetts auf ein unübertroffenes Niveau. Sie riffelten endlose Variationen desselben Akkords und hielten dabei den Takt des Bassisten und Schlagzeugers, während Coltrane seine Bläserklänge zwischen den Noten seiner Bandkollegen verwob.

Jeff Brownell trägt ein John Coltrane-Design von Em & Ahr am Set von Armstrong Now, 2020

Coltrane und seine Bands bei Impulse produzierten von 1961 bis zu seinem Tod im Jahr 1967 eine Vielzahl von Klängen. Mit seinem Quartett veröffentlichte er traditionelle Jazzplatten wie Ballads (1963) und mit einem Quintett mit seiner Frau Alice tourte er um die Welt und nahm Live-Aufnahmen auf . Er stellte eine komplette Blaskapelle für Africa/Brass (1961) und Ascension (1966) zusammen.

„Das Wichtigste, was ein Musiker tun möchte, ist, dem Zuhörer ein Bild von den vielen wunderbaren Dingen zu vermitteln, die er im Universum kennt und spürt.“ –John Coltrane

Bis 1964 bereitete Coltrane jedoch sein Hauptwerk vor: A Love Supreme .

„A Love Supreme“ stellte alle Vorstellungen zeitgenössischer Musik in Frage, als es 1964 veröffentlicht wurde. Es war eine Widmung und ein Dankeschön an Coltranes Gott, der ihn durch die dunklen Tage der Sucht begleitete und auf den Coltrane sich während dieser Zeit stützte Seine Tage verbrachte er in Jersey, krank vor Entzug. „A Love Supreme“ ist die Erfüllung von Coltranes zuvor erkanntem Potenzial. Es ist voller unkonventioneller Läufe und Wechsel, purer Energie- und Gefühlsausbrüche, die in Kreischen und Kratzen übergehen. Allerdings ist jede Note absichtlich, jeder unbeholfene Tonfall jeder Phrase absichtlich geschrieben.

Das Finale des Vier-Track-Albums ist das sanfte, dann plötzlich chaotische „Psalm“. Junge Zuhörer, die von ihren konservativen, puritanischen Eltern nach alternativen spirituellen Wegen suchten, waren von den unkonventionellen Klängen fasziniert. Sie bemerkten bald, dass die Inschrift auf der Innenseite des Albumcovers Note für Note mit den Hornstößen von „Psalm“ übereinstimmte. Coltranes göttliche Schreie des Schmerzes und der Leidenschaft, die er über sein Instrument verbreitete, konnten beim Zuhören gelesen werden. Dies war eine kraftvolle Offenbarung für viele, die nie über die wörtliche Bedeutung von Instrumentalmusik nachgedacht hatten. „A Love Supreme“ wurde Coltranes höchstgeschätzte Komposition und brachte ihn für Grammy-Nominierungen und die Aufnahme in die Hall of Fame in Frage [ 10 ][ 11 ]. Es wurde nur einmal live aufgeführt, vor einem schockierten Publikum in Antibes, Frankreich [ 12 ].

Coltrane war als Sohn und Enkel von Predigern und mit einer geistlichen Mutter aufgewachsen. Familienmitglieder, die über sein Erbe nachdenken, sind nicht überrascht, dass John Coltrane zu einem religiösen Gläubigen und spirituellen Führer heranwuchs. Er war tief in der heiligen Tradition verwurzelt, und als er älter wurde und sich dramatischen Herausforderungen gegenübersah, denen nur Helden und Genies gegenüberstanden, war sein Glaube das Einzige, was ihn durch den Kampf zur Größe trieb. Er stützte sich in seiner tragischen Jugend, seiner Sucht und den Barrieren, die vor schwarzen Amerikanern standen, auf Glauben und Musik, bis hin zu einer Karriere, die die zeitgenössische Musik erweitern und verändern würde. Coltranes Biograf Lewis Porter lacht, während er über die St. John Coltrane Church in San Diego nachdenkt: Nicht viele Künstler haben Kirchen, die sich dem Studium und dem Leben nach ihren Worten und Kompositionen widmen [13] [ 14 ].

Coltrane war nicht der erste Musiker, der als göttliche Persönlichkeit galt, und er war nicht der letzte. Bald nach Coltranes Erfolg wurde Eric Clapton während seiner Zeit bei John Mayall und den Bluesbreakers mit Gott verglichen, und Jerry Garcia galt als Frontmann der Grateful Dead [ 15 ]. Throngs of Deadheads haben ihr Leben der Aufgabe gewidmet, der Band (und späteren Spin-offs wie The Dead and Dead und Co.) zu folgen, um für immer in der Gegenwart der Musik zu sein, wie Juden, die unterwegs sind, um zu den Überresten des ersten Tempels in Jerusalem zu beten oder Muslime zur Kaaba in Mekka. Bei manchen wird die Spiritualität geweckt, wenn man sich Jerrys Gitarre und Coltranes Horn anhört [ 16 ].

Der Raum, den Instrumentalmusik wie ein bluesiges Clapton-Solo, ein 20-minütiger Dead Jam oder A Love Supreme für die Interpretation durch den Hörer lässt, ist grenzenlos und führt Gedankengänge durch unseren Kopf. Die lyrische Einfügung von A Love Supreme , gepaart mit Coltranes gefühlvollem Sound, führte viele uneingeweihte Musikfans in einzigartige, bewusste und unbewusste Wege, introspektive und spirituelle Erfahrungen ein.

Wenn sie jedoch über Coltrane nachdenken, nennen die Mitglieder der Dead Africa/Brass als ihre größte bewusste Inspiration. Die afrikanischen Rhythmen und Beats – auf denen Coltranes Schlagzeuger in den nächsten sechs Jahren aufbauten – hatten tiefgreifenden Einfluss auf die musikalischen Vorstellungen von Phil Lesh und Bill Kreutzmann, Bassist und Schlagzeuger von The Dead. Lesh spielt die Basslinie von „Greensleves“ von Africa/Brass in verschiedenen Interpretationen des Dead-Klassikers „Clementine“. „The Dead“ orientierte sich auch stark an den Prinzipien, die Coltrane auf „Favourite Things“ einführte , insbesondere dem Konzept, mit einem Akkord endlose Riffs und Läufe zu erzeugen, die sich ständig weiterentwickeln. Bob Weir, Gitarrist und Sänger der Grateful Dead, gibt an, dass er von McCoy Tyners Erkundung der Akkorde inspiriert wurde. Die Jam-Band suchte nach Möglichkeiten, ihre Jam-Sessions zu verlängern und griff auf die modalen Techniken zurück, die Coltrane und Tyner verwendeten, um ihr Spiel kontinuierlich zu ändern und gleichzeitig die Struktur des Songs beizubehalten [17] .

Jeder Musiker oder jede Band, die die Grateful Dead beeinflusst hat, insbesondere ihre legendären improvisierten Jam-Sessions, hat unendlichen Einfluss, da The Dead von vielen als die ewige „Jam-Band“ angesehen wird, die Generationen neuer Klänge und Strukturen hervorgebracht hat. Sie ebneten den Weg für Bands wie die Allman Brothers, Phish und Widespread Panic, die sich darauf spezialisiert haben, das Publikum mit Blues-Wurzeln und weitläufigen Instrumentalabschnitten zu fesseln und zu fesseln.

Nach der Veröffentlichung von „A Love Supreme“ begann Coltrane, nachdem er seine wahre Botschaft zum Ausdruck gebracht hatte, tiefer in die musikalische Erforschung einzutauchen. Er konzentrierte sich auf Polyrhythmen und dissonante Töne und Noten und löste sein Quartett auf, frustriert über Coltranes Besessenheit vom reinen Ausdruck. Seine Frau Alice übernahm Tyners Klavierspiel und sie produzierten zunehmend spirituelle und experimentelle Alben wie Ascension , Kulu Se Mama (1967) und Om (1968). John und Alice nahmen bis wenige Wochen vor seinem Tod an Leberkrebs im Juli 1967 Musik auf und veröffentlichten sie [ 18 ].

Coltrane hatte eine so herausragende Stellung an der Spitze der Popmusik und -kultur eingenommen, dass es ohne seine Präsenz, die Musik voranzutreiben, eine Lücke in der Branche gab. Er wurde posthum von der Library of Congress ausgezeichnet und in die Grammy Hall of Fame aufgenommen, nachdem er 1997 mit dem Lifetime Achievement Award ausgezeichnet worden war [ 19 ]. Er wurde mit einem Pulitzer-Preis für sein lebenslanges innovatives und einflussreiches Werk geehrt [ 20 ].

John William Coltrane lebt durch die Anforderungen und Erwähnungen von Musikschulen in Hollywood weiter; Sein Name ziert Straßenschilder in den gesamten Vereinigten Staaten. Seine Lieder stehen auf der Liste der einflussreichsten Lieder aller Zeiten, und als Barack Obama gewählt wurde, hängte er Coltranes Porträt in den Hallen des Weißen Hauses auf, eine Ehre für den Saxophonisten, der die zeitgenössische Musik mit Wahrheit, Glauben und Unendlichkeit veränderte Innovation.